Фотография в контексте современного искусства
7 ноября 2024 в пространстве HSE CREATIVE HUB мы выясняли вместе с руководителями, преподавателями и другими экспертами в области дизайна, как сейчас работают студии и бюро и кого они готовы брать к себе в команду.
Модерировала ивент Евгения Соломатина — координатор направления «Фотография» «Дизайн интерьера» в Школе дизайна НИУ ВШЭ. Курирует создание онлайн-журнала о фотографии «Отпечаток».
В начале ивента искусствовед, сотрудница ММОМА, куратор и преподаватель Люся Янгирова поделилась, как сформировать портфолио художника. Мастер-класс прошел только в офлайн формате, и в этом тексте профессиональные секреты мы не раскроем. Но поделимся тезисами TED-выступления участников и кратко расскажем, что обсуждалось на дискуссии. Посмотреть полную версию TED-выступлений и дискуссии можно в видеозаписях в HSE DESIGN LAB.
TED-выступления
Сооснователь галереи современного искусства Shift Владислав Духанин в своем выступлении говорил о коллекционировании фотографии.
Что фотография значит для тех людей, которые ее покупают? Что мотивирует людей приобретать произведения искусства и коллекционировать их? Владислав в контексте фотографии выделил главную причину — создание архива собственной памяти.
С возрастом люди все чаще предпочитают оглядываться назад, чтобы понастольгировать и «собрать эмоции в какую-то логическую цепочку», а фотографии становятся ключом, позволяющим вернуться к эмоциям прошлого вновь. Если рассматривать этот процесс в рамках музейных институций, то он может быть более глобальным и реконструировать воспоминания о целых исторических эпохах.
Художник, работающий с холстом, всегда вкладывает свои эмоции и мысли в создаваемую работу. Фотограф же предлагает нам свой взгляд на конкретный сформированный визуальный образ. Если взгляд фотографа близок зрителю, то последнему нравится фотография.
Владислав Духанин: «Суть фотографии лежит глубже, чем просто в изображении на плоскости, а скорее в запечатлённом времени. Факт — самая брутальная вещь в жизни, а фотография эти факты ловит».
Владислав рассказал, что в этом году галерея Shift была впервые представлена на ярмарке современного искусства Cosmoscow. На стенде можно было познакомиться с проектом Полины Шилкините, которая закончила магистратуру "Современная живопись" в Школе дизайне НИУ ВШЭ, поэтому фотография была для нее экспериментом.
Полина нашла старый альбом с фотографиями в лесу и превратила его в новое произведение искусства. Фотографии под влиянием природных факторов приобрели мистические узоры и как будто дополнились новыми смыслами.
Куратор направлений «Фотография» и «Мода» в Школе дизайна НИУ ВШЭ, фотограф, видеорежиссёр, CGI artist Павел Самохвалов рассказал о мультимедийных экспериментах в современной фэшн-фотографии.
Любой жанр задает определенные рамки, а фэшн — это довольно попсовый жанр для фотографии. Однако презентация современной моды через объектив сейчас происходит на стыке современного искусства, идентичности, понятий о красоте и экологии. Кроме того, фотография перестала подразумевать печатную глянцевую форму. Сейчас все медиа переместились в диджитал-пространство, где уже можно использовать не только статичные изображения, но и анимированные, гифки, а также видео-арт.
Эксперименты в жанре фэшн-фотографии делали уже давно. Например, известный фотограф Хельмут Ньютон сделал серию фото моделей как рентгеновские снимки. Сейчас много перспективных и смелых авторов, например, Чарли Энгман.
Павел рассказал также про Марию Блащик, которая сейчас учится на IV курсе Школы дизайна на профиле «Фэшн-фотография». Видео-работу студентки в этом году купили ярмарке молодого современного искусства blazar в первые минуты открытия.
Павел Самохвалов: «Не замыкайтесь в едином академичном жанре фотографии. Пробуйте, щупайте, исследуйте».
Фотограф, художник и преподаватель направлений «Фотография» и «Современное искусство» в Школе дизайна НИУ ВШЭ Владислав Ефимов предложил поразмышлять о фотографии в будущем, но для начала разобраться в самом феномене фотоискусства.
«Фотография — это плод научный прежде всего, химический, физический, технический. Она вообще не предназначена ни для какого создания образов. Художественные фотографии по своей природе — обман, потому что фотография — это взаимодействие между камерой и реальностью. Мы имеем отношение с наблюдением».
Поэтому, чтобы создать что-то уникально новое стоит говорить не об изображении и не о фотоаппарате или фотографе, а об языке, который их связывает. Нужно искать новый язык. Например, в 1920-е годы появился фотомонтаж. Это был определенно новый язык тогда.
Нейросети могут только искажать уже имеющийся и завораживать яркостью. Но настоящее искусство нужно, чтобы сосредоточиться на своих собственных мыслях. Именно поэтому современное искусство, сделано довольно просто и не позволяет увлечься собой.
Раньше фотограф обладал ценностью решающего момента, который только он мог увидеть и запечатлеть. С развитием интернета и соцсетей ситуация изменилась. Теперь каждый может быть наблюдателем того или иного момента, который уже теряет свою ценность и уникальность из-за этого.
Владислав Ефимов рассказал про развитие концептуальной фотографии. Суть этого направления заключается в иллюстрации какой-то идеи. Например, в своих работах Бьерн и Хилла Бехеры различают вещи в том, в чем они похожи. Однако Владислав видит в этой систематизации объектов не прогресс, а топтание на месте.
«Образование в области современного искусства заключается в том, что вы могли обучиться подделывать искусство и портить приемы чужие».
Поэтому завершил свое выступление Владислав советом — «подумать о будущем искусства в целом, потому что фотография — неотъемлемая часть процесса. Подумать о будущем концептуализма. Подумать о форме и о коммерции».
Сотрудник ГМИИ им. А. С. Пушкина и соорганизатор международной конференции «После (пост)фотографии» Дарья Панайотти призналась, что у нее был тяжелый день, потому что она весь день делала этикетки к фотографиям для выставки. Сейчас бывает очень сложно установить в каком году и с помощью какой техники была напечатана фотография.
Вальтер Беньямин писал о том, что фотография никогда не сравнится с произведением искусства из-за возможности тиражирования. Это убеждение с 1930-х годов наталкивает на мысль о том, что у фотографии как будто нет оригинала. Однако он есть. Это негатив, с которого можно делать другие копии.
В прессе начала прошлого века негативы обесценивали. Они служили лишь расходным материалом для финального образа. Но дюссельдорфская и американская школа фотографии в 1960-е и в 1970-е годы начали возвращение к материальности и оригинальности.
Дарья рассказала, как она была куратором выставки «Братья Хенкены: открытие. Люди Ленинграда и Берлина 1920-1930-х годов» в 2017 году. Экспозиция была сделана на основе любительского фотоархива двух братьев: один жил в Берлине, а другой — в Ленинграде. Они фотографировали то, что происходило вокруг тогда.
Дарья Панайотти: «Подлинность фотографии можно найти, рассматривая каждый отпечатанный образ как нечто уникальное. Выставками, которые я делаю, я пытаюсь изменить отношение всех людей и институций к фотографии».
Материал братьев, найденный после их смерти, был не готов для выставки, потому что архив состоял из негативов, которые нужно было еще проявить и выбрать лучшие кадры. Обычно это делает сам фотограф и этот процесс — часть его творчества. Поэтому в музее Эрмитаж приняли решение превратить выставочные залы в фотолабораторию, залитую красным светом и наполненную оборудованием для проявления негативов. Таким образом организаторы выставки предложили поразмышлять над вопросом: кого считать автором фотографии?
Выставка «Сесил Битон и культ звезд», куратором которой была тоже Дарья, наоборот фокусировала внимание на тиражности фотографии. В данном случае важны были персоны, изображенные на снимках.
В заключение своего выступления Дарья пригласила всех на выставку «От слепка до пикселя», куратором которой она стала. В Пушкинском музее можно будет посмотреть на фотографию как на исторический материал. В экспозиции будут представлены изображения, сделанные разными техниками печати.
Сооснователь галереи современного искусства PENNLAB. Кандидат экономических наук Николай Дмитриев рассказал, как подготовить работы для сотрудничества с галереей. Про PENNLAB Николай добавил, что галерея уже существует более 3 лет и сейчас можно прийти в пространство Винзавода, чтобы посмотреть текущие выставки.
Николай рассказал про основные критерии выбора художников для экспонирования в галерее:
• Уникальное художественное видение • Содержательная сложность работ • Техническое мастерство • Последовательность в развитии творческого метода • Готовность к долгосрочному сотрудничеству
Технического мастерства многим фотографам в России сейчас не хватает из-за отсутствия профессиональной школы фотографии.
Также важно при подаче заявки в галерею указать краткую творческую биографию, чтобы руководитель и кураторы поняли, через какие фильтры в виде выставок, конкурсов и других мероприятий вы уже проходили.
В портфолио стоит включить подробное описание своих проектов, их технические характеристики этих работ с указанием размеров и тиражей. Важно, чтобы у фотографа было также понимание того, как его работа может быть напечатана? На какой бумаге и с помощью каких технологий?
Дискуссия
В рамках дискуссии Евгения Соломатинапредложила обсудить тираж в фотографии. Модератор отметила, что для начинающих фотографов и студентов может быть неясно, как определить свой тираж в условиях, когда фотография стала цифровой.
Художник, основатель ПиранезиLAB, руководитель магистерского профиля «Печатная графика»в Школе дизайна НИУ ВШЭ Алексей Веселовский считает, что понятие тиража в современном искусстве имеет два аспекта: маркетинговый и художественный.
С точки зрения маркетинга, тираж — это инструмент для продвижения и продажи работ, позволяющий художнику получать доход. Однако для художника тираж — это не просто способ размножения изображения, а прежде всего способ выразить свою творческую концепцию.
Историк искусства, преподаватель, старший научный сотрудник отдела фондов произведений искусств MMOMA Нина Лаврищева, говоря о тиражности, подчеркнула важность разделения классического печатного искусства (литография, гравюра) от современной фотографии. В цифровом процессе каждый отпечаток уникален, хотя различия могут быть не всегда очевидны. Тираж влияет на практические аспекты сохранения и экспозиции произведений искусства.
Нина отметила, что ограниченные тиражи особенно ценны для музеев, поскольку обеспечивают сохранение и доступность работ для будущих поколений.
Евгения Соломатина задала вопрос об изменении размера работы после создания тиража. Часто художники делают новые тиражи с измененным размером.
Николай Дмитриев сооснователь галереи современного искусства PENNLAB, отвечая на этот вопрос, упомянул «экспертную группу», которая работает над документом о тиражному искусству. Размер работы должен быть определен художником сразу же, чтобы покупатель четко понимал, что он приобретает. В современном искусстве пока нет достаточного доверия к тиражному искусству и часто бывают случаи, когда художник меняет размер после продажи работ. Это негативно сказывается на репутации художника и цены на его работы в будущем.
Основатель галереи современной фотографии PENNLAB, соучредитель центра «ФотоПро» Михаил Краснов, дополняя мысли своих коллег, подчеркнул, что тираж — это единое произведение искусства, но размер может влиять на его восприятие. Одна и та же работа в маленьком и большом формате может выглядеть и восприниматься абсолютно по-разному. Таким образом, размер становится инструментом в руках художника, позволяющим изменять восприятие работы.
Руководитель отдела фондов произведений искусств MMOMA Кристина Колякина уже заметила с опытом, что не все произведения искусства хорошо переносят изменение размера. Многие художники работают в определенном размере и их работы теряют свой смысл и красоту в другом формате. Художники могут закладывать в свою концепцию определенный габарит работы, который является неотъемлемой частью их творческого замысла.
Николай и Алексей объяснили, что AP (Artist Proof) — это отпечаток, который художник полностью утверждает как удовлетворяющий его требованиям к качеству печати.
В фотографии этот процесс немного отличается, но в печатном искусстве (особенно в американском печатном искусстве конца 20-го века) AP играет важную роль. Художник делает AP как пробу, чтобы определить оптимальные параметры печати (бумага, экспозиция, размер). Он может изменить параметры и сделать несколько вариантов, пока не будет полностью удовлетворен результатом. AP может быть подписан художником или печатником, но чаще всего он не предназначен для продажи. Это просто проба.
В завершение дискуссии спикеры ответили на вопросы из зала.
Какой формат фотографии самый релевантный и продаваемый?
Не существует одного самого релевантного формата. В России большие форматы фотографий более популярны среди коллекционеров и ценителей, имеющих просторные интерьеры. В Европе же предпочтение отдается меньшим форматам, которые часто не оформляются на стену, а коллекционируются как самостоятельные произведения искусства, например, в альбомах.
Какая бумага подходит для архивной печати?
Хлопковая бумага является наилучшим вариантом. Однако важно внимательно изучать описание бумаги, чтобы убедиться в ее архивности и соответствии требованиям художника.
Насколько важен способ печати (ручная печати с негатива, цифровая печать) для покупателей фотографии?
Для большинства покупателей важнее само произведение искусства, его содержание и художественная ценность, а не способ создания тиража. В России большинство покупателей интересуются тем, что было использовано для съемки (пленка или цифра), но не в такой степени, чтобы это влияло на решение о покупке. Способ печати влияет на цену работы, но не существенно. Например, если работа исполнена в интересной технике (большого формата), то это может увеличить цену. Но решающим фактором это не станет.
Влияет ли доступность цифровых копий и NFT на спрос на печатные тиражи? Пересекаются ли аудитории этих форматов?
Спрос на печатные тиражи не исчез, а цифровые копии и NFT не заменили их. Период «вертолетных денег» во время пандемии привел к буму продаж NFT, но это явление было кратковременным и не стало революцией в мире искусства. Важно отметить, что даже фотографы, работающие с пленкой, в большинстве случаев сканируют свои фотографии и печатают их с цифровых файлов.
Какое оформление больших форматов фотографии предпочтительнее? Как минимизировать деформацию бумаги? Где ставить подпись?
Для больших форматов фотографий предпочтительно оформление на композитные панели. Бумага накатывается на панель с использованием музейного скотча, что минимизирует деформацию и обеспечивает сохранность работы. Для защиты от повреждений и пыли рекомендуется покрывать панель стеклом. Подпись ставится на задней стороне панели.
Музеи не принимают работы, накатанные на пластик или картон, в свой основной фонд. Это обусловлено риском повреждения работы при хранении и экспозиции. Такие работы могут быть приняты только в экспериментальный фонд или перепечатаны.
Какое отношение у галерей к печати цифровой фотографии на холстах или других носителях?
Можно ли предоставлять в галереи работы на разных носителях (пластик, бумага, металл)?
Какие курьезные случаи возникали у кураторов выставок при сборе фоторабот?
Узнать ответы на эти вопросы и услышать более развернутые комментарии к упомянутым в тексте вопросам можно, посмотрев видеозапись встречи.
Мероприятие прошло 7 ноября с 16:30 до 22:00 в пространстве HSE CREATIVE HUB.
Подробнее об этом и других событиях, проходящих на площадке HSE CREATIVE HUB, можно узнать на сайте https://creative.hse.ru/hub.
