Миры грез и вдохновения
Тема
Театр и живопись XVIII века. Две грани исследования, две необъятные стихии.
Театр и живопись всегда были неотъемлемой частью друг друга. Режиссеры и сценографы часто находят визуальное решение благодаря художественным образам, созданным на протяжении тысячелетия. Также как и художники, выходя из театр в эмоциональном потрясении, передают свои ощущения на холсте.
Будучи режиссером, я всегда пользовалась интуитивным восприятием картины — мое/не мое, как данная работа отзывается во мне и во что это может переродиться? Но, встретившись с картиной Жака Луи Давида «Смерть Сенеки», заинтересовалась историей ее создания. А в голове появился навязчивый вопрос — «что подтолкнуло художника на написание данного сюжета?»
Жак Луи Давид. «Смерть Сенеки», 1773
Концепция
В своем исследовании я сталкиваю два визуально-разных мира. В XVIII веке театр делал только первый шаги, открывал новые жанры и познавал себя в различных пространствах. Живопись же продолжала развиваться, чувствовать и видеть окружающее в невероятных красках, доступных далеко не каждому человеку.
Более детально решено было рассмотреть пересечение английского драматического театра с работами живописцев той эпохи.
Джованни Баттиста Пьяцетта, «Святой Иаков ведомый на казнь», 1717 / Франсиско Гойя, «Полет ведьм», 1798
Ключевыми вопросами в контексте данного анализа стали:
1. На чем акцентировала внимание английская драма XVIII века?
2. Что хотели донести художники своим творчеством до зрителя в XVIII веке?
3. Как театр воздействовал на живопись того времени?
Драматический театр XVIII в.
Театр Просвещения: от буржуазной трагедии к сентиментальной морали
XVIII век — эпоха Просвещения — ознаменовался не только революционными изменениями в политической и социальной жизни Европы, но и глубоким переосмыслением театрального искусства. Театр, отбросив пышность барокко, стал мощным инструментом просвещения, стремясь не просто развлекать публику, но и формировать её моральные ценности, направляя мысли от узко личных интересов к служению обществу. Это переосмысление отразилось в изменении жанров, тематики и даже моральных принципов, определяющих сценическое действие.
В противовес аристократической традиции, театр Просвещения активно обращался к жизни «простых людей», буржуазии.
Театр XVIII века; Комеди Франсез Европа
Именно в Англии зародился новый жанр — мещанская драма (или буржуазная трагедия), быстро завоевавший популярность в других европейских странах. В отличие от классической трагедии, с её благородными героями и возвышенными страстями, мещанская драма фокусировалась на проблемах и конфликтах обыденной жизни, на моральных дилеммах представителей среднего класса. Этот жанр стал своеобразным зеркалом общества, отражая его социальные противоречия и моральные искания. Английский театр, таким образом, сыграл роль своеобразного локомотива, оказав огромное влияние на развитие европейской драматургии.
Его новаторские идеи подхватили и развили такие титаны, как Вольтер, Дидро и Бомарше во Франции, Гёте и Шиллер в Германии, Гольдони в Италии и Шеридан в Англии — каждый внося свой уникальный вклад в театральную палитру Просвещения.
Комедия также претерпела существенные изменения. Если в эпоху Возрождения комедия часто строилась на сатире и гротеске, то в XVIII веке акцент сместился. Прежним табу уже не являлось сходство героя с пуританином; теперь успех в достижении цели определялся эффективностью используемых средств, независимо от их моральной окраски. Это отражает более циничный и прагматичный взгляд на мир, свойственный определённой части общества того времени.
Однако, такая «безнравственная» комедия не осталась доминирующей надолго. Вскоре на смену ей пришла сентиментально-нравоучительная комедия. Этот жанр, заложенный Ричардом Стилом, отказался от острых конфликтов и ярких комических ситуаций, сосредоточившись на показе положительных примеров поведения и воспитании моральных качеств зрителей.
Антуан Ватто, «Итальянские комедианты», 1720
Стиль, написавший четыре пьесы с явным нравоучительным подтекстом в период с 1701 по 1722 год, заложил основу этого направления, став его пионером. Сентиментальная комедия стремилась воспитать в зрителях чувство сопереживания, доброты и сострадания, показывая примеры благородства и самопожертвования. Таким образом, театр Просвещения представил собой сложный и противоречивый феномен.
Он прошёл путь от реалистичного изображения жизни буржуазии к идеализированным моделям нравственного поведения, отражая диалектику эпохи и сложные противоречия общественного сознания. Но несомненно, театр XVIII века сыграл важнейшую роль в формировании новой морали и новой культуры Просвещения.
Влияние критической тенденции на комедию, начавшееся с 60-х годов XX века, привело к появлению нового направления — веселой комедии, которая контрастировала с преобладающей до того сентиментальной. Это, однако, не следует путать с эволюцией комедии в XVIII веке, где подобная смена стилей также имела место, хотя и по другим причинам. Именно в этот период, эпоху Просвещения, блестяще проявил себя Ричард Бринсли Шеридан, чья яркая и острая комедия стала явлением, значительно повлиявшим на развитие английского театра. Его невероятный творческий взлет, уместившийся всего в пять лет, является поразительным фактом.
Уильям Хогарт, «Выборы в парламент», 1754
За это короткое время он создал триумвират шедевров: «Соперники» (его дебют в 24 года, поставивший его на пьедестал), «Дуэнья» — оперная комедия, искусно сочетающая музыку и остроумные диалоги, и, наконец, «Школа злословия», кульминация его комедийного гения, остроумная сатира на светское общество и его пороки. Успех «Школы злословия» был феноменален, закрепив за Шериданом славу одного из ведущих драматургов Англии.
Более поздний, почти двух десятилетний перерыв в его драматургической деятельности, прервался лишь появлением трагедии «Писарро» в 1799 году. Этот факт свидетельствует о широте его таланта и смелости экспериментировать с различными жанрами. Однако, его наследие прежде всего связано с комедиями, которые и по сей день изучаются и ставятся на сценах всего мира. Они стали классикой, потому что Шеридан мастерски изображал человеческие слабости, использовал блестящий словесный юмор и создавал незабываемых, живых персонажей. Его комедии не просто смешны, они содержат глубокий социальный подтекст, критикуя лицемерие и пороки высшего общества.
Важно понимать контекст, в котором творил Шеридан. Английский театр XVIII века был невероятно разнообразен.
Драматические постановки соседствовали с операми, балетом и пантомимой, которые часто шли на одних и тех же площадках, а иногда даже в специально построенных для этого театрах. Это разнообразие форм, взаимопроникновение жанров, определяло характер театральной жизни того времени, создавая неповторимую атмосферу. Пантомимы, например, часто были политически заряжены, используя аллегории для выражения недовольства властью или общественными институтами. Оперы же, зачастую, включали элементы народного творчества, сочетаясь с итальянским влиянием, что отражало сложную культурную картину Англии того времени. Балет же, часто исполняемый на огромных сценах, просто поражал зрителей своей масштабностью и грандиозностью декораций.
Живопись XVIII в.
Параллельно с бурным развитием театра, XVIII век ознаменовался расцветом английской национальной школы живописи. Буржуазная революция, прошедшая в Англии ранее, оказала глубокое влияние на искусство, способствуя развитию национального самосознания, отображенного в художественных произведениях.
Портретный жанр переживал свой расцвет, изображая как аристократию, так и представителей растущего среднего класса. Пейзажная живопись изображала английскую природу во всей ее красоте и противоречиях. Бытовая живопись глубоко проникала в повседневную жизнь, часто с использованием сатирических элементов, отображая быт и нравы различных социальных слоев. Историческая живопись, обращаясь к ключевым моментам английской истории, стремилась воспеть национальный героизм и величие.
Гравюра, как средство воспроизведения произведений искусства, играла огромную роль в распространении новых художественных идей и образов.
В этот период творил Джон Синглтон Копли, успешно сочетавший в своем творчестве портрет и историческую живопись. Родившись в Бостоне, он, тем не менее, стал ярким представителем английской школы живописи. Его картины, полные драматизма и психологической глубины, до сих пор привлекают внимание своей искренностью и мастерством.
Путешествие в Италию, как и для многих других художников, оказало на него огромное влияние, обогатив его палитру и художественный стиль. Избрание в Лондонскую Королевскую академию в 1775 году стало признанием его выдающихся заслуг. Копли, энергичный и талантливый художник, оставил заметный след в истории английского искусства. Его произведения прекрасно иллюстрируют тесную связь между искусством и общественными изменениями того времени, отражая бурные события и сложные социальные процессы в Англии XVIII века.
Джон Синглтон Копли, «Миссис Джератмаэль Бауэрс», 1763 / «Ричард Хебер», 1782
Джон Синглтон Копли смело отошёл от традиционного «величественного стиля», присущего многим его европейским коллегам. Его исторические картины, такие как «Смерть Чатема» (Национальная галерея, Лондон), «Смерть майора Пирсона» (Галерея Тейт, Лондон) и «Осада и освобождение Гибралтара» (Галерея Тейт, Лондон), поражают своей динамикой и драматизмом. Копли мастерски передавал напряжение момента, используя яркие, насыщенные цвета и тщательно проработанные детали, создавая не просто застывшие сцены, а живые, эмоционально заряженные полотна.
Его острый глаз художника позволял ему точно передавать атмосферу эпохи, сочетая историческую достоверность с выразительностью живописного языка. Стоит отметить, что его эскизы, часто не менее впечатляющие, чем финальные работы, свидетельствуют о виртуозном владении кистью и глубоком понимании композиции.
По своей силе воздействия на зрителя, Копли действительно сопоставим с лучшими французскими мастерами исторической живописи того времени, привнося в жанр свежий, динамичный взгляд.
Джон Синглтон Копли, «Марс, Венера И Вулкан; Кузница Вулкана», 1754 / «Ватсон и акула», 1778
Джон Синглтон Копли и Гилберт Стюарт: два полюса американской исторической и портретной живописи XVIII века
Американская живопись XVIII века, находясь под влиянием европейских традиций, одновременно стремилась к формированию собственного уникального языка. В этом контексте фигуры Джона Синглтона Копли и Гилберта Стюарта представляют собой два ярких, но контрастных примера. Если Копли прославился своими динамичными историческими полотнами, то Стюарт — мастерски выполненными, проникновенными портретами.
Их творчество, несмотря на различия, сыграло ключевую роль в развитии американского искусства, заложив основы для будущих поколений художников.
Гилберт Стюарт, «Портрет Джеймса Уорда», 1779 / «Кэтрин Брасс Йейтс (миссис Ричард Йейтс)», 1793-1794
В отличие от Копли, Гилберт Стюарт, родившийся в Наррагансетте, штат Род-Айленд, посвятил себя преимущественно портретной живописи. Обучаясь у Бенджамина Уэста, он, тем не менее, сумел выработать собственный, неповторимый стиль, избегая напыщенности и декларативности своего наставника. Работы Стюарта отличаются изысканной простотой, искренностью и непосредственностью. Он не стремился к новаторству в техническом плане, но был исключительным мастером в передаче внутреннего мира своих моделей. Его портреты поражают своей психологической глубиной, точностью в передаче индивидуальных черт и ощущением жизненной правды.
Он был тонким наблюдателем человеческой натуры, умело выявляя сущность человека в его внешнем образе. Это позволяло ему создавать произведения, которые не только воспроизводили внешний вид модели, но и раскрывали её внутренний мир.
Можно сказать, что Копли и Стюарт, хотя и работали в разных жанрах, оба внесли неоценимый вклад в развитие американской живописи XVIII века. Копли, с его динамичными историческими полотнами, расширил границы жанра, а Стюарт, со своими психологически точными портретами, создал образцы мастерства в портретном искусстве. Их работы до сих пор вызывают восторг и интерес, свидетельствуя о высочайшем профессионализме и глубоком понимании художественного творчества этих выдающихся американских мастеров. Изучение их творчества позволяет глубже понять художественные процессы того времени и оценить уникальный вклад американских художников в мировую культуру.
Примечательно, что главный акцент в живописи того периода сместился с религиозных и чисто бытовых, буржуазных сцен на передачу человеческих эмоций и переживаний. Художники стремились заглянуть в душу человека, передать его внутренний мир, его радость, печаль, тревогу или спокойствие. Это нашло отражение в портретах, которые стали не просто запечатлением внешнего лика, а глубоким психологическим исследованием личности. Техника и стиль становились средством выражения этих внутренних миров, а не самоцелью.
История картин, или Столкновение театр и живописи
Рассмотрим, к примеру, картину Жака-Луи Давида «Смерть Сенеки». Это не просто историческая сцена, а целая драма, раскрывающая сложный внутренний мир Сенеки и трагизм его кончины. Давид, мастер классицизма, виртуозно использует композицию, цвет и свет, чтобы передать напряжение момента, глубину отчаяния и достойное принятие смерти философом. В картине преобладают темные, глубокие тона, подчеркивающие трагизм события. Композиция выстроена так, чтобы внимание зрителя было сосредоточено на фигуре Сенеки, его позе и выражении лица.
Жак Луи Давид, «Смерть Сенеки», 1773
Давайте углубимся в исторический контекст. Сенека, знатный римлянин, философ-стоик, был не просто воспитателем Нерона, а одним из ближайших его советников, оказывая значительное влияние на молодого императора. Его философские труды, полные мудрости и нравственного учения, были широко известны. Сенека представлял собой сложную личность. Он сочетал в себе высокий интеллект, глубокое понимание человеческой природы с прагматизмом и даже цинизмом, что проявилось в его политической карьере. Его богатство, накопленное через государственную службу, также говорит о его прагматизме.
Однако его отношения с Нероном были наполнены противоречиями. Нерон, властный и жестокий император, в конце концов, почувствовал угрозу от своего бывшего учителя, боясь его влияния на народ. Заговор против Агриппины, хотя и не доказанный полностью, дал Нерону повод для расправы. Смерть Сенеки — это трагедия не только одного человека, но и символ времени, когда власть и интриги побеждали мудрость и человечность. Давид в своей картине подчеркивает не только физическое насилие, но и моральное убийство талантливого человека, его ума и духа.
часть картины, Жак Луи Давид, «Смерть Сенеки», 1773
Картина «Смерть Сенеки» — это не просто историческое полотно, а произведение с глубоким философским смыслом. Она заставляет нас задуматься о ценности человеческой жизни, о влиянии власти на судьбы людей, о вечных противоречиях между интеллектом и силой. Более того, картина Давида стала символом неоклассицизма, подчеркивая интерес к древнеримской культуре и философии как источнику нравственных идеалов.
Однако, важно отметить, что историческая точность в изображении события не является главным приоритетом художника.
Главное — передача эмоций, психологических состояний, драматизма момента. Это позволяет считать картину «Смерть Сенеки» вершиной мастерства Давида в изображении человеческих страданий и трагизма исторических событий.
Она служит наглядным примером изменения акцентов в живописи того времени, где передача эмоций становится более важной, чем строгое соблюдение исторической точности.
Картина интересна по взаимоотношению с театром своей мизансценой. Жестикулирующие фигуры, живые эмоции на лицах, занавес на заднем фоне — все это передает полную атмосферу произошедшего события и заставляет воображение дорисовывать происходящие действия. Создается полное ощущение нахождения наблюдателя в зрительном зале.
Уильям Хогарт, «Полуночный современный разговор», 1732
Картина Уильяма Хогарта «Полуночный современный разговор» привлекает внимание двумя ключевыми элементами. Во-первых, на переднем плане изображён занавес, который напоминает о театральной сцене. Во-вторых, мизансцена с живыми образами и тщательно проработанными жестами персонажей создает ощущение, что зритель становится частью происходящего.
В XVIII веке подобную сцену зрители вряд ли могли увидеть на театральных подмостках из-за строгой цензуры. Однако сегодня театры предоставляют возможность раскрывать «пьянство» персонажей, если это служит сюжету.
Уильям Хогарт, «Донос», 1729 / «До», 1730-1731
Живые сценки также присутствуют в других произведениях Хогарта, например, в картинах «Донос» 1729 года и «До» 1730–1731 годов.
Антуан Ватто, «Итальянская серенада», 1719 / «Сюрприз», 1718-1719
Ватто, очевидно, был увлечен актерами и внутренними аспектами развлекательной индустрии, что прослеживается в его художественном развитии. Изначально его полотна изобилуют выразительными жестами и мимикой, а со временем он переходит к минимализму, что лишь усиливает выразительность его работ. Упрощение чувств создает эффект загадки и интригует зрителя.
Антуан Ватто, «Пьеро (Жиль)», 1720-1721
Ярким примером служат картины Ватто «Пьеро» или «Жиль», где персонажи, включая Пьеро, демонстрируют свои внутренние переживания в неподходящем контексте, усиливая ощущение одиночества.
Заключение
Подводя итоги исследования, хочется сказать, что театр и живопись неразрывно связаны друг с другом в любую эпоху. Каждый творческий человек находит в театральном представлении или написанной на холсте картине что-то для себя, помогающее создавать ему уже свой уникальный продукт в мире искусства.
